Simon Doonan over Keith Haring: AIDS en de jaren tachtig in New York

Zijn bijzonder vreugdevolle vocabulaire van beelden en kenmerkende symbolen met hun dikke zwarte lijnen en trillende kleuren zijn onmiddellijk herkenbaar – wie kent niet de dansende honden, stralende baby's en kenmerkende stokfiguren? Ze blijven leven: gedrukt op kleding, sneakers, bekers, speelgoed, posters, en wat al niet meer — over de hele wereld. Misschien meer dan ooit, omdat zijn sociaal en politiek geladen kunst resoneert met de huidige Zeitgeist, waarin sociale bewegingen als Black Lives Matter en Me Too erkenning en navolging vinden. Vandaar de stroom van mode-samenwerkingen, exposities en boeken, en onlangs een biografie van zijn goede vriend en Britse fashion trailblazer Simon Doonan. Reden genoeg voor ons om met Doonan te praten over zijn herinneringen aan de epische jaren tachtig in New York – het tijdperk waarin Keith Haring floreerde – en waarom de kunstenaar nog steeds relevant is.

Geboren in 1958 in Reading, Pennsylvania, verhuisde Keith Haring op 20-jarige leeftijd naar New York, waar hij in 1978 naar de School of Visual Arts ging. Tegen die tijd bloeide de ondergrondse kunstscene al en was de East Village, met zijn goedkope huren en multiculturele, seksueel bevrijde menigte, een broedplaats van hedendaagse cultuur. Kunst, activisme, mode, hiphop, graffiti, en computergames kwamen allemaal samen. Het was deze energie van begin jaren tachtig waarin de jonge kunstenaar werd meegezweept. Geïnspireerd door de alt-cultuur en een brandende passie om kunst toegankelijk te maken, ging Haring de straat op om zich uit te drukken en hij dook snel in de graffiti-cultuur van de stad. Van metrostations tot de muren van Manhattan en daarbuiten werden zijn iconische cartoon-achtige figuren snel in de hoofden van kunstliefhebbers en forenzen gegrift. Rond deze tijd begon hij experimentele kunstruimten en nachtclubs te bezoeken, waar hij niet alleen Doonan ontmoette, maar ook goede vrienden werd met een nieuwe generatie baanbrekende jonge kunstenaars, waaronder Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf en Futura 2000.

Simon Doonan: ”New York was absoluut van fundamenteel belang voor Haring. Als je een creatief persoon, een homoseksueel persoon, een nieuwsgierig persoon, een zoeker was, vertrok je uit je woonplaats. Er was geen andere manier. Je moet je realiseren dat er toen geen sociale media waren, geen iPhone, geen internet. Je moest er echt heen. En de magie van het verlaten van huis en haard was voor hem het feit dat er geen sociale media waren. Als je weg was, was je echt weg, dus je kon jezelf opnieuw uitvinden. Je werd niet continu bekeken, er waren geen afschuwelijke tweets die je konden achtervolgen, en niemand die video's maakte terwijl je iets deed dat volslagen gek was. Er was een totale vrijheid, alleen maar geografie om te overwinnen. Homo's en kunstenaars, creatieve mensen en onconventionele mensen en misfits, we hebben daar allemaal van geprofiteerd en de Greyhound-bus genomen.”

New York was dus de perfecte plek voor Haring om te bloeien. Maar het was ook de achtergrond van dat tijdperk, de jaren tachtig, die heeft bijgedragen aan de opkomst van Haring als kunstenaar, activist en rebel. In die jaren kwam alles samen op een manier waarop dat voorheen niet kon.

"In de jaren zeventig bleef kunst ver weg van de mode, omdat kunst van mening was dat mode kortstondig was en dat het een corrosief, goedkoop effect had op de kunst Maar toen kwam de jaren '80, vlak na de punkjaren. Punk had zo ongeveer iedereen bevrijd, er waren geen regels meer. Alles kon ineens. Er waren kunstenaars als Stephen Sprouse die graffiti op hun kleren begonnen te zetten. Dus als mensen negatief praten over de jaren tachtig en zeggen dat die klef en smakeloos waren, dan missen ze de magie van dat decennium. Beschouw het maar als een post-punk explosie, en mensen als Keith Haring profiteerden van deze nieuwe wereld waar alle vooropgezette ideeën uit het raam werden gegooid. Ze konden het landschap opnieuw uitvinden.”

In die tijd feestte Haring net zo hard als hij schilderde. Terwijl hij overdag in de metro rondreed en alles met zijn kleine krijtfiguren beschilderde, bezocht hij 's nachts homo-badhuizen, de beruchte S&M Sex Club The Anvil en legendarische underground-locaties in de binnenstad, de Mudd Club en Club 57. Beide werden opgericht als reactie op de chique, met sterren bezaaide discotheek Studio 54, die bekend staat om zijn rookmachines, confetti-kanonnen en hot-shot VIP-stamgasten. De Mudd Club en Club 57 daarentegen waren de antithese van de binnenstad tegen de uptown glamour. Deze clubs waren de thuisbasis van de tegencultuur en werden onder andere de plekken waar Keith Haring, Jean-Michel Basquiat en Kenny Scharf uithingen. Hier vormden creatieve mensen een eigen wereld tegen de achtergrond van een failliet New York, waar de recessie woedde en de kunst- en galeriescene voor jonge kunstenaars vrijwel ontoegankelijk was. Als gevolg daarvan richtte de artistieke avant-garde hun eigen galeries en clubs op, en daagde de kunst en ideeën uit die tot uiting komen in de musea en de SOHO-galerijen. Keith Haring, een van de voormannen van deze avant-garde, had het heldere idee om een zaal op de vierde verdieping van de Mudd Club tot een late-night galerie te maken en organiseerde spontane kunstshows in Club 57, zoals de 'First Annual Group Erotic and pornographic Art Exhibition' - een ruimte voor punkrock feminisme, mannencabaret, drag, en uitvinding- en performancekunst. Kenny Scharf herinnert zich jaren later: "Bij Club 57 vond je drugs en promiscuïteit; het was één grote orgie-familie. Soms keek ik rond en dacht: "Oh mijn God! Ik heb seks gehad met iedereen in deze ruimte! Dat was gewoon de geest van die tijd, en het was vóór AIDS.”

Tegen deze tijd werd de naam "Keith” bekend. Zijn faam groeide, maar de traditionele kunstwereld was sceptisch; ze dachten dat hij-lichte- kunst maakte, omdat hij voorbijgaande publieke kunst maakte – door overal op te tekenen en het weg te geven aan iedereen die dat wilde. Dat leek de kunstenaar niet te storen. Als echte rebel vocht hij tegen de elitaire kunstwereld die hij als een discriminerende instelling beschouwde.

"Keith dacht dat kunst belachelijk was. Het zat vast in galerieën, zeer elitaire, vaak zeer obscure kunstenaars die onbegrijpelijk probeerden te zijn om vooral als esoterisch te worden beschouwd. Haring daarentegen was zeer gericht op het scheppen van kunst voor mensen. Hij was van mening dat het grote publiek niet de kunst kreeg die het verdiende. Ja, hij had zeer geavanceerde ideeën, maar hij communiceerde eigenlijk rechtstreeks met de mensen. Het was altijd zijn doel om kunst toegankelijk te maken; hij gaf meer om verhoging van het bewustzijn dan om het aantrekken van kapitaal.”

Net als zijn mentor Andy Warhol was Haring zeker "pop". Hij had echter een veel sterker en ethisch sociaal geweten en een vrijgeviger geest dan Warhol. Haring wilde dat mensen zijn kunst zouden zien en daar betrokken bij raken — hij was heel gul, gevoelig en inclusief. Veel van zijn werk was een soort propaganda voor mededogen.

"lk denk dat hij door idealisme en altruïsme tot dat activisme is gekomen. Zijn activisme was heel licht. Hij was gevoelig voor onrecht, maar hij was geen preker en ging niet schreeuwend rond. Hij was heel praktisch. Hij realiseerde zich de kracht van kunst om mensen aan te spreken en hen bewust te maken. Het is interessant om te zien dat alle activistische zaken waar hij mee te maken had, zaken waren waarmee hij enigszins bekend was. Hij had een assistent die verslaafd werd aan crack, dus dacht hij: 'Wat kan ik doen? Ik kan mensen niet behandelen voor crackverslaving, maar ik kan een muurschildering maken!' En zo maakte hij de beroemde muurschildering 'Crack is Wack' in uptown Manhattan. Keith was ook betrokken bij diversiteit omdat hij een zeer diverse groep vrienden had; zijn vriendjes waren Latino of zwart, wat hem bewust maakte van onderwerpen zoals racisme. Nogmaals, hij dacht gewoon: 'O ik weet wat ik kan doen, ik ben Keith Haring, ik kan duizend affiches maken van dit 'Bevrijd Zuid-Afrika'-beeld – en dat deed hij, hij signeerde ze en gaf ze weg tijdens een grote rally in Central Park. AIDS raakte hem zeer direct aangezien hij homo was en de gehele homo-gemeenschap door deze gruwelijke ziekte werd beïnvloed. Zijn posters van 'Safe Sex' worden nog steeds gebruikt. Ze zijn prachtig, ze zijn echt grappig. Yoko Ono zei ooit over Andy Warhol, dat hij alledaagse eenvoudige dingen zou nemen en ze mysterieus en complex zou maken, zoals soepblikken. Plotseling wordt zoiets een werkelijk belangrijk geheimzinnig ding. Warhol maakte alledaagse voorwerpen groots. Keith Haring zou daarentegen precies het tegenovergestelde doen, zag Yoko Ono. Hij zou overweldigende dingen als AIDS, drugverslaving, en racisme oppakken en ze op één of andere manier draaglijk maken. Iets wat je zou kunnen tegenkomen zonder terug te schrikken. Hij gaf ze een vleugje humor. Er is altijd humor bij al zijn activisme, wat het nog krachtiger maakt, gecombineerd met een ongelooflijke ernst. Dat is echt slim als je erover nadenkt.”

Voor wat betreft combineren van humor met ernst kun je zeggen dat Banksy het moderne equivalent van Haring is. Behalve dat Keith Haring geen anonimiteit wilde; hij vond het belangrijk dat hij in het middelpunt van de aandacht stond en hij wilde dat iedereen wist wie hij was. Hij ging naar clubs en openingen en organiseerde feesten.

"In die tijd werd hij goede vrienden met Madonna. Madonna is heel sterk het muzikale equivalent van Haring; ze hield ervan een pop-art popster te zijn. Ze had interessante liedjes die over het leven gingen – Papa Don’t preach' ging over zwanger worden zonder te trouwen – en ze was populair omdat ze rechtstreeks met mensen over de realiteit sprak, net zoals Haring dat deed. Ze zouden veel over kunst praten en dat ze nooit het respect kregen dat ze in bepaalde kritische kringen verdienden. Toch werkte Haring samen met iedereen die destijds interessant was. Hij deed al deze projecten met Grace Jones, het schilderen van haar lichaam, werken aan haar video's, ongelooflijke dingen. Ze is volledig origineel, echt uniek. De androgynie, het sculpturele karakter van haar presentatie. “het is moeilijk om iemand te bedenken die indrukwekkender was in die wereld – en Keith waardeerde haar ten volle.”

Ondertussen kwamen er nieuwe verzamelaars die geld in een eerder gedoemde markt pompten. In het hele East Village kwam een explosie van nieuwe galerieën en de wereld van de kunst begon aandacht te krijgen voor Haring. Checkbooks werden geopend en de aandacht van de media nam enorm toe. Haring vond het geweldig, maar de overwinning was bitterzoet. De AIDS-crisis was in volle bloei en raakte New York hard en snel. Toen Haring in 1987 met HIV werd gediagnostiseerd, was het een verwoestende klap voor de toen 29 jaar oude Keith, maar hij koos ervoor om de ziekte rechtstreeks te confronteren - en zijn reden om te schilderen was groter dan ooit. Rond deze tijd omvatte zijn werk veel schilderijen die geslachtshandelingen afbeeldden en fallische lijntekeningen, die werden gebruikt om aandacht en voorlichting van HIV/AIDS te creëren. Uiteindelijk stierf Haring in 1990 aan AIDS-gerelateerde complicaties op 31-jarige leeftijd, waarbij hij een grote erfenis naliet. In 1989 vertelde hij zijn biograaf trots: "Die werken die ik heb gemaakt, blijven voor altijd bestaan. Er zijn duizenden echte mensen, niet alleen musea en curatoren, die beïnvloed en geïnspireerd zijn door het werk dat ik heb gemaakt.., dus het werk leeft door als ik hier niet meer ben.”

“Hij had daar volkomen gelijk in. Tieners ontdekken nu zijn werk en vinden het heel fris! Ze zien het voor het eerst en het spreekt hen rechtstreeks aan. Ze zijn als: 'Wat, hij stierf al in 1990?!' Dat komt omdat zijn werk nog steeds heel actueel en op dit moment is gebaseerd. Nu kun je je werk laten zien via sociale media, maar in die tijd, decennia voor Art Basel, was de kunst heel vrij. Als Keith vandaag nog in leven zou zijn, zou je hem overal in Tik Tok kunnen vinden. Hij is perfect voor Tik Tok, weet je, in 20 seconden zou hij een schilderij maken. Als je erover nadenkt, is het zo triest dat hij dit heeft gemist: hij zou al deze nieuwe media hebben opgepakt en ze interessant hebben gemaakt, en mensen uitdagen om nieuwe manieren te vinden om ze te gebruiken. Hij zou overal op sociale media zijn, er volledig aan verslaafd zijn en er goed in zijn.” Hoewel hij in 1990 overleed, leeft Keith Haring op vele manieren nog steeds. Er zijn Haring T-shirts, Haring schoenen, Haring stoelen, hoeden, speelkaarten, sleutelhangers — zijn werk is overal, vrolijk en onmiddellijk herkenbaar als graffiti-tags of kleine aanduidingen die zeggen: “Keith was here.” Bovendien ondersteunt zijn stichting sinds zijn dood honderden jongeren, gemeenschappen, kunst, LBGT, safe-seks, en planmatig-ouderschapsprojecten, deels gefinancierd door de inkomsten van de verkochte Haring-gadgets.

"Het gaat erom dat de kern van al zijn succes en zijn werk empathie is. Je kunt niet zo communicatief zijn zonder een empathische kerel te zijn. Wanneer hij symbolen op de metro tekent, weet hij wat de aandacht van mensen gaat trekken: baby's, vliegende schotels, mannen met gaten in hun magen. Dat komt voort uit een zekere empathie. Hij is een empathisch persoon en daarom is hij nog steeds zo veerkrachtig, geliefd en gewaardeerd."